Seu Consequência' 15º aniversário , e durante todo o mês de setembro publicaremos uma série de peças retrospectivas abrangendo a própria história de nossa publicação – e o cenário do entretenimento em geral. Hoje, estamos começando com nossa nova e aprimorada lista dos 100 Maiores Álbuns de Todos os Tempos.
Oh meu Deus, estamos de volta novamente. Já faz mais de uma década desde que tentamos resumir toda a história da música popular nos 100 melhores álbuns de todos os tempos. Esqueça como as opiniões mudaram ao longo desses 12 anos - toda a cultura mudou. Até as pessoas que participam deste exercício são diferentes, pois apenas dois funcionários que fizeram parte da lista do GO, publicada em 2010, permanecem com Consequência hoje.
Compreensivelmente, as coisas vão ser diferentes desta vez. Os gostos foram reformulados, os gêneros nasceram e desapareceram, e a maneira como dividimos a importância ao longo da história foi alterada pela própria natureza do presente. Todos esses fatores para montar um gigante como este, o que significa registros que não foram considerados – ou mesmo lançado — a última vez que assumimos este desafio agora têm lugar de destaque. Por sua vez, outras grandes obras foram derrubadas, ou para baixo, ou para cima.
Uma coisa permanece a mesma, no entanto: você vai discordar tanto quanto você concorda com o que fizemos aqui. Você vai se perguntar como o álbum X não mereceu menção, ou por que o álbum Y é maior que o álbum Z. Ou onde diabos está o artista W?! Não vamos nem discutir com você. Acredite, também nos perguntamos isso, conversamos sobre eles e fizemos escolhas difíceis, muitas vezes contra convicções pessoais.
Agora, talvez isso não o impressione muito. Talvez você, caro leitor, acredite que existe um ranking definitivo, eterno e incontestável de registros que poderia ser extraído do éter com a metodologia certa. Quem sabe, talvez você esteja certo. Esta não é essa lista.
Esta é uma lista compilada através de horas de debate, frustração, riso, aquiescência e epifania. É aquele que avaliou o valor mercurial atribuído à arte, desde as percepções no momento da criação, à consideração retrospectiva, ao impacto nas modas em constante evolução. É também aquele que permitiu que a alegria fosse um fator de grandeza.
Então, vá em frente, lance suas críticas. Expresse seus sentimentos sobre como seus artistas favoritos foram deixados de fora ou como pulamos aquele LP icônico. Congratulamo-nos com isso! E quando a poeira baixar, o pessoal de Consequência ficará orgulhoso por trás de nossa lista dos 100 melhores álbuns de todos os tempos. Até a próxima vez.
— Ben Kaye
Diretor do Editor
Ed. nota: Selecione sinopses da lista original sempre que forem incluídos aqui, eles são indicados com (2010).
Escave a arte nesta lista'https://shop.consequence.net/products/100-greatest-albums-of-all-time-poster' rel='noopener'>aqui , e uma versão emoldurada aqui .
100. Vício de Jane - Nada é chocante
Com 1988 Nada é chocante , Jane's Addiction ajudou a lançar as bases para o que se tornaria a revolução do rock alternativo dos anos 90. Pesado e etéreo em partes iguais, é apropriado que o álbum contenha títulos de músicas como Up the Beach e Ocean Size, já que as faixas tocam como ondas quebrando no mar. A voz celestial de Perry Farrell, juntamente com o toque dinâmico do guitarrista Dave Navarro, do baixista Eric Avery e do baterista Stephen Perkins, Nada é chocante um álbum verdadeiramente único.
Combinando o poder do Led Zeppelin com o art-rock do The Velvet Underground em faixas como a explosiva Mountain Song com sua magnífica linha de baixo, ou a acústica Jane's Says com suas letras de cortar o coração, Nada é chocante representa um momento decisivo no que logo seria uma mudança sísmica na música rock. — Spencer Kaufman
99. Muco Washington – Céu e terra
Em 2015, o saxofonista Kamasi Washington anunciou sua chegada ao grande público no show de Kendrick Lamar. Para Pimp uma Borboleta . Apenas alguns meses depois, ele consolidou seu lugar na vanguarda do jazz com sua igualmente expansiva estreia em uma grande gravadora, O épico , desenvolvido em grande parte com seus compatriotas no coletivo de jazz West Coast Get Down de Los Angeles. Mas foi a continuação, de 2018 Céu & Terra , que reflete com mais precisão as alturas que ele pode alcançar a partir de seu headspace ascendido.
Céu & Terra evoca a grande escala de seu título com uma visão abrangente do passado, presente e futuro deste mundo e além. Se Washington está ressuscitando o passado com sua opinião sobre os Hub-Tones de Freddie Hubbard, renovando o tema do filme de Bruce Lee Punhos de fúria com um contexto moderno, ou empurrando o jazz em uma direção completamente nova no groove escuro Street Fighter Mas, ele está constantemente em conversa com um poder superior, a divindade apenas varia do Todo-Poderoso ao seu grupo de amigos músicos.
No que diz respeito à crescente presença da espiritualidade em sua música, Consequência Revisão de nota A do 's afirmou que, se mais igrejas tocassem músicas como 'Journey' e 'Will You Sing' aos domingos, esses santuários poderiam ter apenas lugares de pé. — Bryan Kress
98. Lucinda Williams – Rodas de carro em uma estrada de cascalho
Não faltaram imitadores de Lucinda Williams ao longo dos anos – artistas que esperavam tirar um pingo de sua coragem, graça e bom senso e torná-lo seu. Mas há apenas uma Lucinda Williams, e em sua obra-prima vencedora do Grammy de 1998 Rodas de carro em uma estrada de cascalho , ela demonstra por que ela é um talento incomparável.
O nativo de Lake Charles, Louisiana, tem uma discografia extensa, começando em 1979 com Ramblin' em minha mente e mais recentemente com o acerbic Boas Almas Melhores Anjos, o que torna a seleção de apenas um de seus álbuns como o melhor uma tarefa tola. No entanto, Rodas de carro em uma estrada de cascalho se destaca como uma marca registrada da americana desgastada, um redemoinho sulista de country, blues, folk e rock 'n' roll.
É um disco carregado de riffs com uma longa lista de letras feitas sob medida para tatuar em seu corpo, dobrando como um roteiro para a alma de uma nação complicada. Ao longo de 13 faixas, desde a sexy 2 Kool 2 Be 4-Gotten até o beijo de Joy, você aprende algumas coisas sobre o narrador central do disco, mas há uma lição que se destaca em particular: você não não foda com Lucinda Williams. Se Williams é o poeta laureado de Americana, Rodas de carro em uma estrada de cascalho é uma marca d'água alta do formulário. — Spencer Dukoff
97. Fugazi – Repetidor
Enquanto Repetidor é considerado o debut full-length de Fugazi, teve a difícil tarefa de seguir os lendários dois primeiros EPs da banda (compilados juntos como 13 músicas ). Com Repetidor , no entanto, a banda de D.C. não apenas elevou seu próprio nível, mas abriu todo o gênero punk hardcore.
Com um aceno para a precisão dos pós-punks Gang of Four, Repetidor é evidência de uma banda tocando sem restrições. Fugazi nunca teve que responder a processos quando se tratava da música que eles gravaram, graças a toda a sua discografia sendo lançada pela própria Dischord Records do cantor e guitarrista Ian MacKaye. A química deles é óbvia, com MacKaye e Guy Picciotto trocando vocais por acordes dissonantes, e o baixista Joe Lally e o baterista Brendan Canty fornecendo uma espinha dorsal estável. Esses fatos juntos afirmam que o sucesso comercial da Repetidor é um subproduto dos próprios artistas, não um plano de ganhar dinheiro de uma gravadora.
Apresentando hinos poderosos como Turnover e Blueprint, bem como cortes de destaque como a faixa-título e Sieve-Fisted Find, Repetidor é um trabalho seminal da banda DIY definitiva. — SK
96. N.W.A. – Direto de Compton
Embora eles devam algum crédito ao Schoolly D e ao Park Side Killas pelo pioneirismo do gangsta rap, o N.W.A. posso dizer com orgulho que eles trouxeram esse estilo de hip-hop ultra-violento e uber-cativante para o mainstream. Lançado em 1988, Direto de Compton apresentou o que eventualmente se tornaria alguns dos maiores nomes do gênero - Ice Cube, Eazy-E, Dr. Dre e MC Ren - contando histórias da vida em um dos bairros mais violentos de LA com batidas minimalistas e scratches fornecidos por DJ Yella e Arabian Prince.
Cortes como Fuck Tha Police e a faixa-título vieram para resumir o som da Costa Oeste e abriram um caminho que levou o rap a se infiltrar em todos os lares da América. Mesmo se você fosse dos cantos mais tranquilos do subúrbio, você ficava tenso, cerrava os punhos e fingia que estava pronto para uma briga quando escutava Ice Cube abrir o disco declarando: Quando eu for chamado serrados/ Aperte o gatilho/ E os corpos são retirados. N.W.A. fez você se sentir duro, mesmo que você ainda tivesse que diminuir o volume quando sua mãe estava em casa. — Dois Raios (2010)
95. Sistema de Down - Toxicidade
Depois de fazer um nome para si mesmo com sua estréia auto-intitulada, System of a Down alcançou novas alturas com seu segundo álbum, de 2001. Toxicidade . Melódico, caótico e absolutamente hipnótico, o álbum expandiu os limites da música pesada. O frenético Chop Suey! tornou-se um dos hits mais bizarros de todos os tempos nas rádios de rock (mesmo com o Clear Channel temporariamente removendo-o das ondas de rádio após os ataques de 11 de setembro), enquanto músicas como a esmagadora faixa-título e a assustadora Aerials também serviram para impulsionar o álbum a vários -status de platina.
Soando como nenhuma outra banda antes deles, os vocais operísticos de Serj Tankian sobrevoam as composições musicais complexas de Daron Malakian, com Shavo Odadjian e John Dolmayan formando uma seção rítmica implacável. Tudo dito, Toxicidade se destaca como uma das melhores obras de música pesada do século 21, se não de todos os tempos. — SK
94. Wilco – Yankee Hotel Foxtrot
Existe um universo alternativo onde Wilco nunca lança Yankee Hotel Foxtrot , um álbum que não apenas garantiria o lugar da banda na história do rock, mas alteraria fundamentalmente o cenário da indústria da música na virada do novo milênio. Sim, este álbum está repleto de mitologia e história de fundo, melhor encapsulado em Sam Jones Estou Tentando Partir Seu Coração , que por acaso é um dos melhores documentários musicais de todos os tempos.
Mas YHF perdura como um clássico mais de 20 anos depois, menos por causa dessa tradição e mais porque é uma coleção de músicas que é tão forte. Jeff Tweedy canaliza toda a sua ansiedade e autoconsciência em músicas como Ashes of American Flags e I Am Trying to Break Your Heart, complementando essas faixas mais pesadas com a nostalgia calorosa de Heavy Metal Drummer e o romance de coração na manga de Reservations, que apresenta uma letra que é devastadoramente direta: Eu tenho reservas sobre tantas coisas, mas não sobre você.
O gênio de Yankee Hotel Foxtrot é a decisão de adicionar camadas de feedback e gravações de campo e ruído e distorção em cima das músicas de folk e country e indie rock de Tweedy, inclinando-se para o experimental a tal ponto que o disco despachou o selo de country alternativo que perseguia a banda desde sua fundação. Do início ao fim, Yankee Hotel Foxtrot hipnotiza e seduz, e de alguma forma consegue soar como se apaixonar e o fim do mundo. É intocável. — SD.
93. TLC - CrazySexyCool
Com o new jack swing caindo em desuso em meados dos anos 90 e Lisa Left-Eye Lopez lidando com lutas pessoais que a mantinham longe do grupo por longos períodos, o TLC encontrou maneiras de amadurecer seu som em seu segundo álbum. Reunindo-se com Babyface, Jermain Dupri e Dallas Austin enquanto adicionavam contribuições de Sean Puffy Combs, Organized Noize e Chucky Thompson, eles aumentaram as vibrações do hip-hop e do soul para atingir a perfeição do R&B em CrazySexyCool .
Ao mesmo tempo, eles ajudaram a estimular um movimento de positividade sexual que ainda evolui hoje, abordando o romance de vários ângulos: o encontro de Creep, a doçura de Diggin' on You, o XXX do Red Light Special. No meio, eles entregaram um dos contos de advertência mais duradouros de todos os tempos em Waterfalls. CrazySexyCool foi a Álbum de R&B da década. Hoje, é um testemunho de feminilidade confiante, uma declaração selada no livro dos recordes como o álbum mais vendido de um grupo feminino americano de todos os tempos e o primeiro a alcançar o status Diamond. — B. Kaye
92. As Substituições – Deixe estar
Quem teria pensado que quatro jovens de vinte e poucos anos de Minneapolis poderiam produzir algo tão atemporal, tão vital e tão vívido'https://consequence.net/2014/10/let-it-be-turns-30-celebrating-the-replacements-best-album/' > Deixe estar , ninguém fez. Enquanto todos os olhos estavam voltados para Prince na época, Paul Westerberg, Tommy Stinson, Chris Mars e Bob Stinson estavam criando rock and roll puro e não adulterado. Com o coração na manga, Westerberg derramou seu amor, sua perda e suas inibições em cada letra, nota, acorde e grito.
Em Androgynous, a primeira batida do piano dá nos nervos, puxando os olhos, e quando Westerberg canta, Future outcasts, they don’t last, você está bem ali ao lado dele – no bar empoeirado, dentro da tarde. horas de uma noite de semana, e sem ninguém para segurar, a não ser a música. Isso é tudo que os Replacements deveriam estar aqui, eles fazem isso em cada nota, mais de 11 faixas, e por 33 minutos e 31 segundos. Não é um álbum, é um salva-vidas. —Michael Roffman (2010)
91. Quem – Quem é o próximo 
De todos os álbuns lendários nesta lista, duvido que muitos deles tenham suas origens como uma ópera rock abandonada. Muitos arranjos e restos de peças abandonadas de Pete Townshend Casa de salvação projeto tornou-se a base Quem é o próximo , um álbum que não tem tema ou enredo subjacente. Essa sensação de liberdade permitiu que o The Who se concentrasse em fazer ótimas músicas individuais, em vez de uma história abrangente.
O resultado é o The Who crescendo em público. As músicas combinam a energia contundente da banda em sua juventude com os elementos mais experimentais explorados em Tommy . A melhoria mais notável é a voz de Roger Daltrey, atingindo alturas que só foram sugeridas no passado. O solo de bateria de Keith Moon seguido pelo grito de Daltrey no final de Won't Get Fooled Again permanece como um dos maiores momentos do rock.
Enquanto todo mundo conhece os singles, desde o teclado de abertura de Baba O'Riley até a acústica de construção de Behind Blue Eyes, todas as músicas deste disco são um sucesso em potencial. Ouça o refrão explosivo de Bargain. Confira um raro vocal principal do baixista John Entwistle em My Wife. Com faixas como essas, é fácil ver por que Quem é o próximo mudou o The Who de uma grande banda dos anos 60 para uma superpotência do rock nos anos 70. — Joe Marvilli (2010)
90. Alanis Morissette – Pequena pílula irregular
Os primeiros segundos do disco de Alanis Morissette apresentam uma mistura de guitarra elétrica e gaita, sinalizando desde o início que uma nova voz no rock alternativo tinha algo a dizer. E uma geração inteira estava ouvindo: se você era jovem, mulher e viva na década de 1990, há uma grande chance de você não apenas possuir este álbum, mas tê-lo memorizado do começo ao fim, como os vocais incríveis de Morisette e o estelar de Glen Ballard trabalho de produção se combinam para gritar sobre a raiva e a confusão que vem com estar vivo.
Décadas antes de Taylor Swift ficar liricamente brava com Jake Gyllenhaal por causa de um cachecol, Alanis estava lembrando seu ex sobre a bagunça que ele deixou quando foi embora, mas Pequena pílula irregular não é apenas sobre raiva: Hand in My Pocket na verdade entrega uma mensagem um tanto otimista de que literalmente tudo vai ficar bem, e enquanto Ironic ironicamente falhou em usar a palavra corretamente, ainda conseguiu falar sobre cenários sombrios em um poço, todos esteve lá maneira.
É um álbum repleto de emoções difíceis de descompactar e que ajudou pelo menos uma adolescente, ouvindo-o repetidamente, a se sentir um pouco menos sozinha. — Liz Shannon Miller
89. Dia Verde – Dookie
Green Day invadiu o mainstream com Dookie , perfeitamente cronometrado para chegar quente nos saltos vestidos de Doc Martens da cena grunge. A banda californiana liderada por Billie Joe Armstrong e completada pelo baixista Mike Dirnt e pelo baterista Tre Cool encontrou sucesso ao fundir a natureza anti-establishment de suas raízes punk rock com uma aparência grunge, apoiada por melodias e ganchos pop cativantes. Explorando tudo, desde ataques de pânico a masturbação e bissexualidade, a letra tocou fãs de todas as idades e posicionou o Green Day como a banda punk moderna para as massas.
Lançado em 1994, o terceiro e mais vendido álbum da banda encontrou sucesso comercial, alcançando o segundo lugar na parada Billboard 200 e ganhando um Grammy de Melhor Álbum de Música Alternativa. A banda foi acusada de se vender por seguidores anteriores da cena punk underground, mas Dookie encontrou uma maneira de revigorar o interesse nas lendas punk originais, servindo como um disco básico e dando voz a adolescentes rebeldes que na verdade não tinham muito contra o que se rebelar nos relativamente plácidos meados da década de 1990. — Kelly Quintanilla (2010)
88. Alice Coltrane – Viagem em Satchidananda
Por mais que se tente, é quase impossível discutir Alice Coltrane sem mencionar seu falecido marido. Embora John Coltrane tivesse uma influência inegável sobre ela e seu trabalho, ela já era uma artista talentosa muito antes de se conhecerem e se apaixonarem. Como Coltrane disse uma vez, John não apenas me ensinou a explorar, mas a jogar completa e completamente.
Embora não seja o primeiro álbum que Coltrane lançou como artista solo após a morte de seu marido, Viagem em Satchidananda é indiscutivelmente seu mais venerado. É um trabalho informado pela espiritualidade que parece etéreo e cru, levando você através da majestade poética suave das nuvens através da harpa e piano de Coltrane, e o grão fino da terra através do saxofone soprano de Pharoah Sanders.
Alguns elementos, como o tanpura monótono e a harpa cristalina de Coltrane na faixa-título de abertura, se destacam. Outros, como a bateria de Rashied Ali e o baixo de Cecil McBee, são mais sutis. Coltrane não foi de forma alguma a primeira artista de jazz ocidental a trazer sons orientais para seu rebanho, mas essas peças nunca parecem estar chamando a atenção para seus contrastes. Como em todos os trabalhos realizados em conjunto, cada parte brilha individualmente e de forma coesa.
Basta ouvir a interação conversacional entre o piano e o baixo em Stopover Bombay ou como o dedilhar frenético do oud de Vishnu Wood se mistura com o sax cósmico de Sanders em Isis e Osiris ao vivo. As peças se encaixam, mas grande parte de sua grandeza está em como elas se recusam a congelar, com Coltrane e seus colaboradores abraçando a generosidade, mantendo a autonomia. Viagem em Satchidananda é um álbum de outro mundo que nunca parece estar muito longe do nosso reino. — eu sou Kenny
87. Matador – Reinar em Sangue
Enquanto outras bandas de thrash metal dos anos 80 começaram a expandir seu som com floreios técnicos e progressivos, o Slayer procurou destilá-lo em sua essência. Lançado em 1986, Reinar em Sangue foi enxuto e mesquinho: apenas duas de suas 10 faixas quebram a marca de três minutos - uma prova da precisão e velocidade com que foram tocadas.
Com o produtor e metalhead dedicado Rick Rubin por trás das placas, o som um tanto frágil do trabalho da banda no início dos anos 80 se foi, apresentando o chute duplo do baterista Dave Lombardo e o ataque de guitarra gêmeo de Jeff Hanneman e Kerry King em puro hi-fi (sem os reverbs e efeitos que datam muitos álbuns de metal da época).
Desde o grito penetrante de Tom Araya que dá início a Angel of Death até as gotas finais de Raining Blood, Slayer mantém um ritmo implacável que se transforma em um borrão de pesadelo. Assuntos sinistros, como as reflexões líricas da música anterior sobre o médico nazista Josef Mengele e outros tópicos sangrentos, apenas aumentam a atmosfera de mal que exala de Reinar em Sangue uma vez que você deixar cair a agulha.
Os riffs atonais de marca registrada de Hanneman geram os solos de guitarra espásticos e improvisados de Kerry King, evocando uma sensação de caos e morbidez. Um crédito para a produção bruta de Rubin, o álbum soa brutalmente intenso até hoje, intocado pelo tempo - um artefato sagrado de metal extremo em sua forma mais antiga. — Por Jon Hadus
86. Pearl Jam – Dez
Rotulado pelo padrinho do grunge Kurt Cobain como um esforço comercial vendido, Dez acabou sendo a plataforma de lançamento do rock alternativo dos anos 90. Surgindo das cinzas da tragicamente curta Mother Love Bone, o guitarrista Stone Gossard e o baixista Jeff Ament adicionaram texturas de rock clássico ao som de Seattle com a ajuda do guitarrista Mike McCready (e um punhado de bateristas temporários, incluindo Matt Cameron). Suas cinco faixas Stone Gossard Demos '91 acabaria por se tornar Dez – eles só precisavam de alguém para dar voz às suas composições.
Entra Eddie Vedder. Os rosnados e uivos emotivos do frontman (Why Go, Black) e o lirismo de partir o coração (Jeremy, Release) espelham a ferocidade da música, multiplicando seu poder. Combinar essa presença vocal distintamente apaixonada com os riffs cativantes e solos crescentes das composições de Gossard e Ament estabeleceu um novo padrão para o que o rock significava na nova década. Tinha toda a angústia e escuridão pelas quais o grunge era conhecido – tanto em suas letras quanto em seu som pesado – mas com expansividade pronta para o estádio e um vocalista destinado ao status de ícone.
O próprio Pearl Jam raramente igualou a intensidade de sua estreia, muito menos a maioria do rock nas três décadas seguintes. — B. Kaye
85. Tupac – Todos os olhos em mim
Do comentário social da ainda relevante Brenda's Got a Baby à fúria desenfreada de Hit 'Em Up e tudo mais, o alcance de Tupac como rapper permanece incomparável. Ao bater no estúdio para Todos os olhos em mim , no entanto, Pac desencadeou todas as suas frustrações reprimidas para criar uma personalidade gangsta rap maior que a vida depois de ser libertado de Rikers Island por seu novo chefe da Death Row, Suge Knight.
Ninguém iria representar a Costa Oeste mais do que ele, como demonstrado pela agressividade não adulterada de Ambitionz Az a Ridah e colaborações com os colegas de gravadora Dr. Dre (California Love) e Snoop Dogg (2 de Amerikaz Most Wanted). No entanto, o álbum duplo também proporcionou a Pac amplo espaço para sucessos de clubes como How Do U Want It e a introspecção de I Ain't Mad at Cha - sem mencionar vitrines para seu grupo The Outlawz como Thug Passion.
A produção de Dre, DJ Pooh, DJ Quik e Johnny J completam Todos os olhos em mim finalmente oferecendo a Pac uma trilha sonora que poderia corresponder plenamente aos seus talentos. Embora a ode de 27 músicas e 133 minutos ao estilo de vida gangsta não seja isenta de defeitos, a paixão ardente de Pac eleva o álbum a outro nível. Uma obra-prima não precisa ser perfeita para resistir ao teste do tempo, e Todos os olhos em mim fez exatamente isso. — Eddie Fu
84. Esmagando Abóboras – Mellon Collie e a Tristeza Infinita
Com o devido respeito a 1979, que exala uma poeira estelar nostálgica sentida profundamente por grande parte da Geração X, talvez seja a décima melhor música do Mellon Collie e a Tristeza Infinita . Firmemente no molde de A parede ou o Álbum Branco (hello, Farewell and Goodnight), o terceiro álbum do Smashing Pumpkins representou seu inquestionável apogeu antes de um medicamento - e induzido pelo ego apagamento (embora adorar e Maquina têm seus apologistas).
O objetivo dos Pumpkins sempre foi a representação de toda a feminilidade e masculinidade, de um capricho diáfano em brutalidade agressiva – e muito parecido com o famoso álbum duplo dos Beatles, Mellon Collie contém praticamente todo o espectro da experiência humana em suas 28 faixas. Mesmo o infame trabalho de masterização abafado não pode abafar sua beleza: outro álbum soou mais silencioso quanto mais você aumenta o volume'https://www.imdb.com/title/tt0701127/' >Homerpalooza, os hits mais do que aguentam: todos nos lembramos da primeira vez que ouvimos este gritar em Bullet with Butterfly Wings.
Melhor de todos 
Chrissie Hynde, uma expatriada americana que mora em Londres, estava tentando encontrar seu lugar, tanto na indústria da música quanto no mundo. Mas demos impressionantes a levaram a ser posicionada como uma estrela em formação. Apenas quatro dias antes dos anos 70 terminarem para sempre, Hynde e os Pretenders lançaram seu debut auto-intitulado. Curiosa programação à parte, era um álbum impressionante demais para se perder na confusão pós-feriado. E com certeza, a banda estava lotando clubes logo depois.
Profiling Hynde e co. por Pedra rolando em 1980, Kurt Loder descreveu Pretendentes como sutilmente surpreendente. Isso é adequado para um álbum que parece usar as armadilhas do punk (arte do álbum simples, riffs difusos), mas logo revela o quanto mais tem a oferecer, tanto artisticamente quanto emocionalmente. Mesmo em um campo lotado, há algo nos primeiros compassos da abertura Precious que nos diz que algo especial está acontecendo aqui.
Embora esses riffs e preenchimentos possam ser replicados com bastante prática, não há como copiar Hynde e o sentimento que ela transmite. Expressando triunfo, raiva, ternura, medo e muito mais, Hynde coloca você dentro de sua cabeça, relembrando memórias dolorosas e detalhando narrativas incríveis como se ela tivesse feito um audiolivro ad hoc. Você pode conhecer melhor o Brass in Pocket, mas Pretendentes é, do começo ao fim, uma verdadeira obra-prima. — M.K.
82.Pedro Gabriel- Então
Dois lançamentos de Peter Gabriel antes Então , ambos chamados Pedro Gabriel , foram álbuns de rock progressivo de referência. Nesses esforços, Gabriel usou o mais recente hardware de gravação para compor com sons sampleados, além de músicas e ritmos de culturas que nunca haviam sido integradas à música ocidental. Gabriel estava abrindo novos caminhos de tirar o fôlego, e com Então , ele trouxe suas descobertas sonoras para o mainstream.
Então é um álbum pop marcante que impressiona os ouvintes com canções emocionais e rítmicas extraídas do coração do espírito humano. Caso em questão, a música número 1 para tocar do lado de fora da janela de alguém, In Your Eyes: a voz e as letras de Gabriel são cruas e apaixonadas com imagens simples, mas extremamente poderosas. Os ritmos africanos mantêm a música viva e longe do caminho sentimental que tantas canções de amor trilham, e os vocais crescentes do cantor senegalês Youssou N'Dour transcendem a linguagem com pura celebração.
Este tema de comunicação emocional, quebra de fronteiras e humana permeia todas as obras de Gabriel, mas é mais forte em Então , onde continua a tocar a maioria das pessoas. Quando Gabriel grita apenas o amor pode fazer amor em That Voice Again, mesmo o ouvinte mais cínico não pode deixar de sentir um pouco de verdade.
Faixas como Red Rain, Mercy Street e Don't Give Up (um dueto com Kate Bush) operam no extremo oposto do espectro, discutindo vulnerabilidade, fraqueza e a chance de continuar. Então até acomoda algumas faixas de vanguarda, como a enervante We Do What We're Told (Milgram's 37) e a melancólica This is the Picture (Excellent Birds), que foi escrita e interpretada com Laurie Anderson.
E, claro, todo mundo conhece o Sledgehammer e seu excelente videoclipe. Nenhum conceito inebriante, apenas pura diversão e uma brilhante releitura da alma da Motown. Dependendo do seu estado de espírito ao ouvi-lo, Então irá deixá-lo carregado ou desgastado. De qualquer forma, é uma sensação boa. — Gato Blackard (2010)
81. Adele – vinte e um
O termo redefinição cultural tornou-se usado em demasia em um certo ponto, mas se se aplica a qualquer lugar nesta conversa, é para Adele. vinte e um . Apesar das conquistas existentes do cantor antes do lançamento do álbum, o sucesso mundial de vinte e um foi uma surpresa que era tão raro então como seria agora para um álbum emocional, às vezes sombrio, blues e melancólico não apenas se dar bem nas paradas, mas permanecer o álbum mais vendido por dois anos consecutivos. O LP é creditado por ajudar a revitalizar as vendas físicas para uma indústria que estava mudando para o streaming no topo das paradas de vendas em mais de 30 países, é claro que 21 era algo que todos precisávamos ter em nossas mãos.
O álbum é finalizado com o que agora pode ser considerado duas das músicas mais conhecidas do século: Rolling in the Deep e Someone Like You. Dois extremos, em termos de produção, mas o que eles têm em comum, vitalmente, é que a incrível voz de Adele está na frente e no centro. Adicione a afiada Rumor Has It, a catártica Set Fire to the Rain e a penetrante Turning Tables, e Adele provou ser uma compositora forte o suficiente para combinar com seus vocais inegáveis. As canções imortalizadas em vinte e um são tão presentes, tão urgentes e humanos, porque Adele Adkins abriu seu coração e compartilhou tudo conosco.
O álbum é assombrado, tanto pelos fantasmas de um amor fracassado quanto por memórias que parecem desaparecer assim que aparecem. Apesar dos detalhes pessoais salpicados por toda parte vinte e um , é um álbum de coração partido que tem a capacidade de ser universalmente compreendido. — Mary Siroky
80. Erykah Badu - beduíno
O título do impecável álbum de estreia de Erykah Badu soa como se ela estivesse tentando iniciar um movimento. E de certa forma, ela era. Falando com Notícias da MTV , Badu especificou que beduíno foi projetado para deixá-lo chapado. Não um zumbido artificial passageiro, mas uma jornada abrangente da mente e do eu que provavelmente nunca poderíamos começar a imaginar, e não uma religião... uma experiência.
Isso pode parecer bastante hiperbólico para uma coleção de músicas de uma artista que estava lançando seu primeiro álbum. Mas Badu não promete paraíso ou verdade divina, apenas uma experiência. E beduíno é um inebriante. Um dos álbuns mais reverenciados do subgênero neo-soul, se não o mais reverenciado, é inegavelmente indicativo de sua época enquanto ainda se sente fresco. Do chocalho trêmulo da bateria de Questlove no melodramático Outro Lado do Jogo ao baixo empolgante no desafiador Certamente, os sons e Badu se apoiam lindamente.
O suporte também é oferecido ao ouvinte. Badu é uma escritora muito boa para alimentar sua mensagem, suas lutas e como ela as relaciona são muito compreensíveis sem cair em chavões vazios e genéricos. Nem todos os sentimentos são resolvidos no final, mas beduíno defende que a jornada para as respostas às maiores perguntas da vida é tão importante quanto as próprias respostas. — M.K.
79. A Polícia – Sincronicidade
Para qualquer grupo querendo saber como fazer uma saída, não procure mais, Sincronicidade . O último álbum do grupo The Police foi lançado em 1983 e, de certa forma, inaugurou o som da década. A forte dependência do álbum em sintetizadores mostrou ao mundo o futuro, já que o grupo criou músicas tão grandes quanto suas reputações. Cada vez que você respira. Amarrado em volta de seu dedo. Rei da dor. Sincronicidade II. Essas são músicas feitas para estádios que prenunciavam o futuro de Sting.
Em vez de apenas se ater ao seu manual de reggae, jazz e punk, Sincronicidade encontra o grupo criando seu próprio caminho e dizendo a todos que venham se puderem. É uma jogada ousada para a maior banda do mundo não apenas terminar sua carreira no topo da montanha, mas mudar tudo o que as pessoas sabiam sobre eles no processo.
A única razão pela qual funcionou é porque a música era, e ainda é, inegável. É engraçado como um grupo que começou como parte da nova onda britânica e da cena punk se tornou sinônimo de música pop. As letras não são mais acessíveis do que o normal, os temas não são mais leves (confira Every Breath…), e a produção não é menos complicada. Ainda assim, de alguma forma, Sincronicidade parece que foi feito para a MTV.
Os vocais de Sting mostram mais profundidade aqui também, quase como se ele estivesse se aquecendo para sua carreira solo. Este não foi planejado como o último álbum do grupo, mas o frontman – junto com uma série de outros fatores da vida que atrapalharam a harmonia do grupo – o fizeram. Na mente de Sting, este álbum era o auge deles e não havia como superá-lo. Não é à toa, mas ele estava certo. — Marcus Shorter
78. Billy Joel – O estranho
Com uma quantidade razoável de frequência, você pode encontrar a música que define um artista em seu melhor álbum. Mas esse não é o caso do Piano Man, Billy Joel. Essa faixa veio em seu segundo LP, que ele seguiu com um par de discos que tiveram um desempenho tão baixo que a Columbia ameaçou demiti-lo. Talvez esse perigo tenha dado a Joel uma atitude nada menos a perder, ele estava tão inflexível que sua nova banda de turnê gravava com ele em seu próximo álbum que quando sua primeira escolha para produtor, George Martin, quis usar músicos de estúdio, Joel o recusou.
E isso acabou sendo o movimento certo. Junto com o produtor Phil Ramone, Joel e sua banda O estranho , que se destaca como a melhor coleção de faixas da carreira do hitmaker. Scenes from an Italian Restaurant tornou-se tão emblemático quanto Piano Man, apesar de nunca ter sido lançado como single. Just the Way You Are levou para casa o Grammy de Gravação e Canção do Ano, Movin' Out (Anthony's Song) é um clássico certificado da rebelião do sonho americano, e Only the Good Die Young continua tão cheio de citações de despedida do anuário quanto quando Grupos cristãos exigiram que ele fosse banido do rádio.
Pode não haver um ícone pop mais divisivo na música, mas eu desafio você a ouvir Vienna ou She’s Always a Woman e dizer que Joel não estava no auge de seus poderes em O estranho . — B. Kaye
77. JAY-Z – O Álbum Negro
Pare-nos se você já ouviu isso antes: JAY-Z estava se aposentando. Os devotos do hip-hop sabem que Shawn Carter sempre teve uma saída em mente desde seu primeiro álbum em 1996. Mas como ele diz no de 2003 O Álbum Negro , o fascínio do jogo era demais para ignorar.
Durante a maior parte dos sete anos entre '96-'03, ele foi uma das figuras dominantes do gênero. Mesmo em seu último álbum, essa fome competitiva ainda é palpável. PSA, What More Can I Say, Threats e 99 Problems mostram suas proezas líricas afinadas. 4 de dezembro e Moment of Clarity fornecem insights pessoais e profissionais (Na verdade eu quero rimar como Common Sense / mas eu fiz 5 Mil, eu não tenho rimado como Common desde então), enquanto Change Clothes e Dirt Off Your Shoulder ilustram uma evolução no fazendo discos de sucesso.
Change Clothes não é uma música que Jay poderia fazer em 98 ou 99. O conteúdo por si só mostra o quanto ele cresceu pessoalmente desde os dias de Big Pimpin. Apesar dos sussurros de superficialidade na época, aqueles que realmente ouviram mapearam as mudanças de Jay ao longo de sua carreira, com o Álbum Negro como o ápice dessa metamorfose. Claro, temos mais álbuns desde então e provavelmente teremos mais um quando você terminar de ler isso. Mas em 2003, quando uma safra mais jovem de rappers liderada por 50 Cent estava fazendo ondas e Jay estava cumprindo suas obrigações contratuais com a Def Jam enquanto terminava sua narrativa de carreira, realmente era o momento perfeito para dizer adeus. — M. Mais curto
76. Os Smiths – A rainha está morta
Se você ainda não sabia, Morrissey inventou ser triste. Ok, não realmente. Mas o homem nascido Steven Patrick Morrissey e sua gangue desorganizada de homens da classe trabalhadora das partes mais sombrias e cinzentas de Manchester, chamado The Smiths, há muito cultivava uma marca tão específica de ser triste e solitário com sua música que é quase impossível lembrar que a tristeza existiu. antes da A rainha está morta .
A combinação das letras irônicas e espirituosas de Morrissey sobre o amor (e também a eterna ausência dele), o sentimento de uma solidão sem fim, mas a falta de vontade de corrigi-lo, e a guitarra característica de Johnny Marr torna este disco um clássico duradouro. A composição, sempre melódica com a voz de barítono instantaneamente reconhecível de Morrissey, é inteligente e sombria e triste e autodepreciativa – algo que todos os letristas pós-Morrissey tentaram e falharam em imitar.
Moz chama os críticos da banda em The Boy with the Thorn in His Side e Cemetry Gates, enquanto Never Had No One Ever e I Know It's Over são odes niilistas à solidão perpétua. Então, é claro, vem a joia da coroa do álbum: There Is a Light That Never Goes Out, onde Morrissey ousa experimentar uma rara abordagem otimista do amor – mas que, inevitavelmente, ainda termina em morte.
Ainda assim, é o hino romântico definitivo: E se um ônibus de dois andares/ Bater em nós/ Morrer ao seu lado/ É uma maneira tão celestial de morrer. Não sonhamos todos com um amor tão abrangente que preferimos ser atropelados por um ônibus em vez de continuar a viver sem eles